Publié le novembre 23, 2023novembre 28, 2023 par Gauthier — Laisser un commentaire

12 Tendances Déco Artistiques en 2024

La décoration intérieure va bien au-delà d’un simple agencement de meubles et de couleurs. Elle est une forme d’expression artistique, capable d’évoquer des émotions, de raconter des histoires et de transformer un simple espace en un sanctuaire personnel. En 2024, les tendances artistiques redéfinissent la manière dont nous concevons nos intérieurs. Cet article explore en détail les 12 tendances déco artistiques incontournables de 2024, offrant des idées inspirantes et des conseils pratiques pour intégrer ces styles uniques dans votre quotidien.

Que vous soyez un amateur d’art ou simplement en quête de moyens pour rafraîchir votre espace, plongez dans cet article pour découvrir comment ces tendances peuvent transformer votre maison en une galerie d’art personnelle. Chacune des tendances explorées offre une opportunité de capturer l’essence de 2024, alliant innovation artistique, réflexion sociale et engagement environnemental.

1. Art Abstrait et Géométrique

La décoration intérieure évolue constamment, et l’année 2024 ne fait pas exception. Découvrez en détail les 12 tendances artistiques qui redéfiniront le monde de la déco cette année. L’art abstrait et géométrique continue de captiver avec ses formes intemporelles et modernes. Les artistes comme Piet Mondrian, célèbre pour ses compositions équilibrées de lignes et de couleurs, ont été des pionniers dans ce domaine. Pour intégrer cette tendance, choisissez des pièces qui jouent avec les lignes, les formes et les couleurs pour apporter une touche contemporaine à tout espace. Explorez des œuvres inspirantes comme “Composition avec Rouge, Jaune, Bleu” de Mondrian pour saisir l’essence de cette esthétique.

2. Couleurs Pastel

Les tons pastel demeurent une option populaire pour créer une atmosphère douce et apaisante. Optez pour des nuances de rose poudré, de bleu ciel et de vert menthe pour une touche plus délicate. Intégrez ces couleurs dans votre décoration à l’aide de coussins, de tapis ou même de grandes œuvres d’art murales. Explorez comment des intérieurs ont été transformés en utilisant ces couleurs, en veillant à conserver un équilibre visuel. Cette année 2024 n’est pas au blanc immaculé. Ces teintes légères ne sont pas simplement des choix de couleur, mais des créateurs d’atmosphère.

Laissez-moi vous expliquer pourquoi opter pour des tons pastels dans votre maison peut rendre votre espace de vie tout simplement irrésistible.

Imaginez une palette visuelle où la douceur est la clé. Les tons pastels, contrairement au blanc pur parfois trop éclatant, offrent une esthétique plus chaleureuse et douce. La sensation visuelle de ces couleurs crée une atmosphère qui évoque la sérénité à chaque coin de votre maison.

La lumière joue également un rôle crucial dans cette équation. Les tons pastels partagent la capacité du blanc à réfléchir la lumière, inondant ainsi la pièce d’une luminosité subtile. Imaginez une lumière qui émane de manière délicate, évitant l’éclat agressif du blanc pur. Cela crée une ambiance lumineuse sans compromettre la douceur, un équilibre parfait pour un espace de vie accueillant.

Les couleurs ont le pouvoir de façonner notre humeur. Les tons pastels sont souvent associés à des sentiments de calme et de douceur, transformant votre maison en un lieu de bien-être.

Les tons pastels ont également le pouvoir de masquer les petites imperfections. Leur capacité à refléter uniformément la lumière peut atténuer l’apparence des défauts, ajoutant une touche de praticité à leur charme visuel.

Pour choisir vos couleurs, n’hésitez pas à lire notre article sur comment décorer sa maison.

3. Art Botanique

Le motif floral et les représentations de la nature restent une source d’inspiration majeure. Explorez des œuvres qui capturent la beauté des fleurs et des paysages naturels. Des artistes tels que Georgia O’Keeffe ont maîtrisé l’art botanique, apportant une touche organique à leurs créations. Intégrez des œuvres de cette nature pour une décoration rafraîchissante. L’article pourrait également plonger dans la symbolique des fleurs et des plantes dans l’art, ajoutant une dimension culturelle et artistique à la discussion. L’art botanique vient en complémentarité des plantes disséminées un peu partout dans la maison. Cet art utilise une forme de symbolisme montrant un retour vers la nature. Il est donc tout à fait possible de complémenter une œuvre artistique en utilisant des plantes. Les plantes permettent de rendre l’air de la maison plus saint ce qui fait donc d’une pierre deux coups.

4. Art Numérique

L’art numérique s’installe de plus en plus dans nos intérieurs, apportant une esthétique moderne et technologique. Les artistes utilisent des logiciels avancés pour créer des œuvres uniques. Des artistes comme Beeple ont gagné en renommée en vendant des œuvres numériques en NFT (jetons non fongibles).

Plongeons maintenant dans l’univers infiniment personnalisable du digital painting, une révolution artistique qui transforme nos intérieurs en véritables œuvres d’art à notre image.

Les artistes et designers peuvent déployer leur génie pour créer des pièces sur mesure, façonnées pour s’harmoniser avec vos préférences et refléter votre personnalité unique. Chaque détail devient une toile vierge où s’expriment vos goûts, faisant du digital painting un moyen puissant de transformer votre espace en une extension visuelle de votre style de vie.

Des formes abstraites contemporaines aux reproductions numériques de chefs-d’œuvre classiques, chaque œuvre devient une porte ouverte à une diversité artistique sans bornes. Le digital painting se métamorphose en une aventure visuelle polyvalente, capable de s’adapter à n’importe quel style de décoration intérieure. C’est l’occasion d’explorer des esthétiques variées, de faire dialoguer les époques et de créer une symphonie artistique qui résonne avec votre essence.

Attention cependant, on ne s’improvise pas peintre, dessinateur, designer ou artiste. Une faute de goût peu vous faire tourner en ridicule vis à vis des connaisseurs. L’utilisation de l’IA n’est à l’heure actuelle pas pertinente car elle propose souvent toujours la même chose et crée des illustrations vulgaires. L’art est avant tout une démarche.

5. Photographies d'Art

Les photographies artistiques, en particulier celles de grands formats, peuvent devenir des pièces maîtresses dans la décoration. Choisissez des clichés qui vous rappellent des souvenirs de voyages, qui captent des moments uniques et qui transmettent une émotion particulière. Encadrez-les de manière artistique pour créer un impact visuel fort. L’avantage de ces œuvres d’art quand elles sont proposées sous forme de tirage d’Art, c’est que vous pouvez choisir vous même votre cadre.

L’objectif des photographies d’art : métamorphoser votre décor intérieur en ajoutant une dimension esthétique raffinée et une profondeur émotionnelle à votre espace de vie.

Ces œuvres ont le pouvoir unique d’éveiller des émotions. Choisissez des photographies qui résonnent avec vous personnellement, car elles deviendront des pièces maîtresses dans votre décoration. Chaque cliché capturé offre une expérience visuelle qui transcende la simple esthétique pour créer une connexion personnelle.

En matière de design intérieur, la perspective et la profondeur sont des éléments clés. Les photographies d’art, en particulier celles de paysages étendus ou de scènes urbaines dynamiques telle que de la photographie de rue, ont la capacité d’élargir visuellement l’espace. Elles ajoutent une touche d’élégance en créant l’illusion de dimensions supplémentaires, idéale pour maximiser l’impact visuel dans des espaces plus restreints.

Chaque pièce a besoin d’un point focal, et les photographies d’art peuvent remplir ce rôle avec élégance. Un portrait saisissant, une scène dramatique ou une composition artistique intelligemment positionnée peuvent instantanément attirer le regard, ajoutant une dose bienvenue d’intérêt visuel à votre espace.

Au-delà de l’esthétique pure, les photographies d’art deviennent des réflexions tangibles de votre personnalité. En les intégrant dans votre décoration, vous créez un environnement qui vous ressemble, ajoutant une couche significative d’individualité à votre chez-vous.

Ces œuvres visuelles deviennent des sujets de conversation, introduisant des éléments narratifs visuels dans votre espace. Que ce soit une image mémorable d’un voyage ou une pièce abstraite qui suscite des interprétations variées, ces photographies invitent vos visiteurs à s’engager dans des discussions visuelles riches, ajoutant une dimension sociale à votre décor. Si vous accueillez des amis ou de la famille ces pièces seront à coup sûr des sujets de conversation et parfois d’envie.

Les photographies d’art ne sont pas simplement des éléments décoratifs. Elles sont des narrateurs silencieux de votre histoire, des portails émotionnels et des sujets de réflexion qui transforment votre maison en un véritable musée personnel. Choisissez avec les soin et positionnez les avec réflexion.

6. Art Sculptural

Les œuvres d’art sculpturales peuvent ajouter une dimension physique à votre décoration intérieure. Optez pour des sculptures en métal, en bois ou en pierre qui s’intègrent harmonieusement à votre espace. Les créations de Barbara Hepworth sont d’excellents exemples d’art sculptural qui peut transformer un lieu. Plongez dans la biographie des artistes sculpteurs contemporains et explorez comment leurs œuvres s’intègrent dans divers environnements. Il y a énormément d’artistes qui ne demandent qu’à être découvert. N’hésitez pas à visiter leurs ateliers et laissez vous surprendre.

7. Minimalisme

Le minimalisme persiste en 2024 avec des œuvres d’art épurées aux lignes simples. Choisissez des œuvres qui jouent avec l’espace négatif et qui captent l’essence de la simplicité. Les œuvres de Donald Judd illustrent parfaitement comment le minimalisme peut être puissant dans sa simplicité. Approfondissez votre compréhension du minimalisme en explorant des artistes clés et en comprenant les principes fondamentaux de ce mouvement artistique. Le minimalisme permet de maintenir une cohérence dans la décoration intérieur. Utilisez des couleurs pastels pour mettre en valeur ces œuvres minimalistes.

8. Art Engagé

Les acheteurs recherchent de plus en plus des œuvres d’art qui portent un message. Explorez des artistes engagés comme Banksy, dont les créations murales interpellent sur des problèmes sociaux et politiques et pas uniquement climatiques. Intégrer de telles œuvres peut donner à votre espace une profondeur sociale et politique. L’art peut être utilisé comme un moyen puissant de communication sociale et suscite des réactions. Acheter une œuvre engagé c’est également soutenir un artiste.

9. Collages Artistiques

Les collages artistiques offrent une esthétique éclectique et personnelle. Créez vous même vos propres collages en utilisant des images découpées dans des magazines, des photographies personnelles et d’autres matériaux. Encadrez-les de manière créative pour une décoration unique.

10. Art Éco-responsable

Explorez la montée de l’art éco-responsable, où les artistes utilisent des matériaux durables ou recyclés. Optez pour des œuvres qui reflètent votre engagement envers la durabilité. Des artistes comme El Anatsui utilisent des matériaux récupérés pour créer des œuvres d’art visuellement saisissantes. Ces œuvres d’art se réfléchissent de la création à l’exposition.

11. Mélange de Styles Artistiques

La fusion d’éléments artistiques de différentes époques et cultures devient une tendance majeure. Mélangez des styles tels que l’art moderne et l’art traditionnel pour créer une décoration éclectique et expressive. Pensez à jouer avec des palettes de couleurs variées pour une touche artistique audacieuse. Vous pouvez de cette manière transformer vos intérieurs en cabinet de curiosités et ainsi exprimer l’entièreté de votre personnalité. En choisissant cette tendance vous aurez un intérieur qui ne ressemble à aucun autre.

12. Art Interactif

Les œuvres d’art interactives créent une expérience immersive. Optez pour des installations artistiques qui réagissent au mouvement, à la lumière ou même au son. Cela ajoutera une dimension interactive fascinante à votre espace. Une manière simple d’y arriver est de créer une ambiance lumineuse originale qui va vous permettre de vous approprier vos œuvres d’art existantes. La lumière est un l’une des composantes principales d’une œuvre d’art figurative, vous pouvez donc vous l’approprier et en faire un force dans votre décoration d’intérieur.

Conclusion : Transformez Votre Espace, Adoptez l’Art en 2024

Les tendances déco artistiques de 2024 offrent une invitation à l’innovation et à l’expression personnelle. Votre domicile est bien plus qu’un lieu de vie, c’est une toile vierge prête à être métamorphosée par l’art. En adoptant l’une ou plusieurs de ces tendances, vous ouvrez la porte à une expérience visuelle et émotionnelle unique, transformant votre espace en une galerie d’art dynamique.

Alors, comment pouvez-vous intégrer ces tendances dans votre quotidien ? C’est simple :

Explorez et Découvrez : Plongez dans le monde de l’art abstrait, des couleurs pastel et des œuvres numériques. Laissez-vous inspirer par des artistes contemporains et découvrez comment leurs créations peuvent s’harmoniser avec votre style personnel.
Osez la Créativité : Ne craignez pas d’expérimenter avec le minimalisme, les collages artistiques ou les œuvres sculpturales. Laissez libre cours à votre créativité et créez un espace qui vous ressemble.
Engagez-vous : Si l’art engagé résonne en vous, explorez des artistes qui utilisent leur talent pour aborder des questions sociales et environnementales. Intégrer de telles œuvres dans votre maison peut également être un moyen de susciter des conversations significatives.
Partagez Votre Transformation : Une fois votre espace artistiquement transformé, partagez vos créations sur les réseaux sociaux en taguant @artpiece sur Instagram. Utilisez le hashtag #Déco2024 et inspirez d’autres amateurs d’art à repenser leur propre intérieur.

En adoptant ces tendances, vous devenez le curateur de votre propre galerie, façonnant un environnement qui va au-delà de la simple fonctionnalité pour devenir une œuvre d’art en perpétuelle évolution. Que votre style soit moderne, minimaliste, éclectique ou engagé, l’art de 2024 vous offre les outils pour personnaliser votre espace et créer une atmosphère qui évoque l’admiration.

Alors, n’hésitez plus. Laissez-vous guider par ces tendances, réveillez l’artiste qui sommeille en vous, et transformez votre espace en une expression visuelle de votre individualité. Car en 2024, votre maison ne doit pas simplement être habitée. Elle doit être vécue, ressentie et célébrée comme une œuvre d’art en perpétuelle création.

Publié le janvier 30, 2021janvier 3, 2023 par Gauthier — Laisser un commentaire

20 règles de composition photographique

Quelles sont les règles de composition en photographie ?

Il n’y a pas de règles immuables dans la façon dont vous devez composer vos photographies. Mais avant de s’affranchir de ces règles photographiques, il faut d’abord les maitriser. Il existe donc plusieurs techniques de composition en photographie que vous pouvez utiliser pour améliorer vos photos de façon significative. De plus maîtriser ces règles permet à vos spectateurs de comprendre vos photographie. Ces grands principes de la photographie sont inspirés des plus grands peintres et artistes.

Nous allons donc voir comment les différentes lignes directrices influent sur vos photos, accompagnées d'exemples pour chacune d'entre elles. Nous avons recueillis ici une liste de 20 règles de composition photographiques que vous pourrez utiliser à n’importe quel moment. Ces règles constituent la base de la composition en photographie.

Qu’est-ce que la composition en photographie ?

La composition fait référence à la façon dont les différents éléments d’une scène sont disposés dans le cadre en créant une harmonie. Il ne s’agit pas de règles strictes mais il est nécessaire de les connaître. Beaucoup d’entre elles sont utilisées dans l’art depuis des milliers d’années et elles aident vraiment à réaliser des compositions plus attrayantes et cohérentes. Nos photographes d’Art utilisent notamment ces techniques dans bon nombre de leurs photographies.

Commençons par la technique de composition la plus connue et la plus importante : La règle des tiers.

1. La règle des tiers

La règle des tiers est très simple. Vous divisez le cadre en 9 rectangles égaux, 3 en travers et 3 en bas, comme illustré ci-dessous. De nombreux fabricants de caméras ont en fait inclus la possibilité d’afficher cette grille en mode de visualisation en direct. Consultez le manuel de votre caméra pour savoir comment activer cette fonction.

L’idée est de placer le ou les éléments importants de la scène le long d’une ou de plusieurs lignes ou à l’intersection de ces lignes. Le placer en dehors du centre en utilisant la règle des tiers permettra le plus souvent d’obtenir une composition plus attrayante. De plus nous avons une tendance naturelle à vouloir placer le sujet principal au milieu ce qui est rarement le plus optimal.

La théorie est que si vous placez les points d’intérêt aux intersections (points de force) ou le long des lignes, votre photo devient plus équilibrée et permet à un spectateur d’interagir avec l’image de façon plus naturelle.

Des études ont montré que lorsque l’on regarde des images, les yeux des gens se dirigent généralement vers l’un des points d’intersection de manière plus naturelle que vers le centre de la photo – l’utilisation de la règle des tiers fonctionne avec cette manière naturelle de regarder une image plutôt que de travailler contre elle.

Astuces de nos professionnels :

La règle des tiers permet également d’avoir un bon équilibre dans les photos de paysages entre ciel et terre.
Lorsque vous réalisez un portrait placez les yeux sur la ligne supérieure, si le portrait est en format paysage ou qu’il est dans un format plus large, placez l’œil droit sur un des points de force

La règle des tiers est très esthétique quand on utilise un format carré, je vous recommande d’essayer ce format qui change de l’ordinaire.

Bruncvík Pont Charles

La tête du chevalier de la légende tchèque est placé sur un des points de force dans cette composition . Notre regard se dirige donc naturellement vers celui-ci. Cette photographie d’Art au format carré a été construit en diptyque avec la photo du Pont Charles à Prague.

Ce tirage d’Art inclue également d’autres règles de composition comme celle de la tension dynamique.

2. Composition centrée et symétrie

Maintenant que je vous ai dit de ne pas placer le sujet principal au centre du cadre, je vais vous dire de faire exactement le contraire ! Il y a des moments où placer un sujet au centre du cadre fonctionne nettement mieux. Les scènes symétriques sont parfaites pour une composition centrée.

STOP

Stop est une oeuvre inspiré du Pop Art et notamment de l’oeuvre d’Allan D’Arcangelo « u. s. highway 1, number 5 » qui est conservé au MOMA (museum of modern art) .

Ici la route crée un axe de symétrie qui aide à la lecture de l’image.

Les scènes contenant des reflets sont également une excellente occasion d’utiliser la symétrie dans votre composition. Vous pouvez souvent combiner plusieurs règles de composition dans une seule photo comme la règle des tiers et un symétrie avec de l’eau par exemple. Pour obtenir de meilleurs reflets, rapprochez vous de l’eau et du sol, cela donnera une autre perspective. Pour lisser une surface d’eau, vous pouvez utiliser une pause longue en fermant votre diaphragme.

3. Détachement du premier plan

Inclure un premier plan dans une scène est une excellente façon d’ajouter un sentiment de profondeur à la scène. Les photographies sont par nature en deux dimensions. Inclure un intérêt de premier plan dans le cadre est l’une des nombreuses techniques permettant de donner à la scène un aspect de profondeur et d’une troisième dimension. Pour exagérer une perspective, utilisez un grand angle.

MALTA BUS

Dans cette photographie prise à Malte, le sujet est un vieux bus…

Le premier plan se détache nettement .

4. Un cadre dans le cadre

L’inclusion d’un “cadre avec le cadre” est un autre moyen efficace de représenter la profondeur d’une scène. C’est une méthode que j’affectionne particulièrement. Recherchez des éléments tels que des fenêtres, des arcs ou des branches d’arbre pour encadrer la scène. Le “cadre” ne doit pas nécessairement entourer toute la scène pour être efficace.

L’utilisation de paysages vus à travers des arcs était une caractéristique commune de la peinture de la Renaissance pour représenter la profondeur.

Un moyen fréquemment utilisé peut être par exemple un fenêtre mais ces cadres sont également présent dans la nature, cherchez les pour avoir des points de vue originaux et différents. Vous pouvez également créer vos propres cadre en les collant par example sur un filtre uv, et utiliser une faible profondeur de champ pour avoir des effets créatifs. Attention ! N’en abusez pas vos photographies risqueraient de ressembler à des photographies instagram.

Le cadre est un excellent premier plan qui va créer du volume et un sentiment de profondeur dans vos compositions photographiques. De plus l’utilisation d’un “cadre dans le cadre” est une excellente occasion d’utiliser votre environnement pour faire preuve de créativité dans vos compositions

VINCULA

Vincula en latin signifie prison. Le cadre des branches renforce la sensation d’enfermement physique et psychologique. La technique du cadre dans le cadre sert ici la composition photographique.

La composition sert à faire passer un message.

Découvrez l’histoire de cette Photographie d’Art, ses inspirations et ce qui la rend unique…

5. Lignes directrices

Les lignes directrices sont des chemins qui aident à guider le regard des spectateurs à travers l’image et à attirer l’attention sur les éléments importants. Tout ce qui provient des chemins, des routes, des murs ou des motifs peut être utilisé comme lignes directrices. Regardez les exemples ci-dessous.

NANTES

Cette photographie de Nantes utilise les lignes directrices pour apporter du dynamisme à la composition. Ce dynamisme est renforcé par le coureur qui va dans la même direction. Vous remarquerez que cette photographie d’Art respecte aussi la règle des tiers au niveau du point de convergence des lignes, mais également le nombre d’or au niveau de la grue grise.

Revenons à la règle des lignes directrices. Nous trouvons les lignes suivantes :

la barrière
les voitures
le fleuve de la Loire
les trainées des avions
l’horizon

STOP

Les motifs des pavés sont présents comme lignes directrices. Les lignes sur le sol conduisent toutes le spectateur vers l’interdit. L’auteur à utilisé une composition centrée pour cette composition. La symétrie de la scène à rendu ce choix pertinent.

Les courbes sont également des lignes directrices. Les courbes créent un chemin dans la composition photographique et créent de la volupté.

INFERNUM et VESUVIO

Dans ces deux photographies les courbes sont importantes. Dans la photographie de droite, Infernum, la route est une ligne directrice et participe à la composition. C’est un chemin qui guide le spectateur.

Venez découvrir ces photographies d’Art.

N’oubliez pas les règles précédents qui peuvent y être associées

6. Diagonales et triangles

Les triangles et les diagonales ajoutent une “tension dynamique” à une photo.

Qu’est-ce que la tension dynamique?

Les lignes horizontales et les lignes verticales suggèrent la stabilité. Si vous voyez une personne se tenant sur une surface horizontale plane, mettez cet homme sur une surface inclinée et il semblera moins stable. Cela crée un certain niveau de tension visuelle. Nous ne sommes pas si habitués aux diagonales dans notre vie quotidienne. Elles suggèrent inconsciemment une instabilité. Intégrer des triangles et des diagonales dans nos photos peut aider à créer ce sentiment de “tension dynamique ». La tension dynamique est une façon d’utiliser l’énergie et le mouvement disponibles dans les différentes caractéristiques du cadre pour attirer l’œil hors de l’image, dans des directions contrastées qui peuvent entrer en opposition et créer une tension.

L’intégration de triangles dans une scène est un moyen particulièrement efficace d’introduire une tension dynamique. Les triangles peuvent être des objets réels en forme de triangle ou des triangles implicites. Les diagonales s’éloignant les une des autres ou des chemins qui vont dans des directions opposées.

Les triangles ne sont pas forcément évident et peuvent être implicite.

Des émotions de deux sujets créent également de la tension dynamique.

Un autre procédé est de changer de point de vue pour créer une perspective inhabituelle. Nous ne sommes pas habitués à voir des bâtiments penchés par exemple. Ce qui perturbe notre sens de l’équilibre est ce qui crée la tension visuelle.

7. Motifs et textures

Les êtres humains sont naturellement attirés par les modèles. Ils sont visuellement attrayants et suggèrent l’harmonie. Les motifs peuvent être créés par l’homme comme une série d’arcs, ou naturels comme les pétales d’une fleur. L’intégration de motifs dans vos photographies est toujours un bon moyen de créer une composition agréable. Des textures moins régulières peuvent également être très agréables à l’œil.

Les pavés, le goudrons, la roche, la végétation peuvent constituer des motifs. Ces motifs ressortent particulièrement dans des photographies en noir et blanc. Un monochrome bien contrasté avec des noirs profonds et des ombres marqués créent de la profondeur et font ressortir la matière et les textures.

Conseil : pour la photographie de nu artistique, il peut être intéressant de faire ressortir le grain de peau pour retransmettre une émotion. La matière peut donc se retrouver même dans ce type de photographies.

8. Impair

La règle suggère qu’une image est plus attrayante visuellement s’il y a un nombre impair de sujets.

Un nombre pair d’éléments dans une scène est distrayant car le spectateur ne sait pas sur lequel il doit concentrer son attention. Un nombre impair d’éléments est considéré comme plus naturel et plus facile à regarder. Par exemple dans de la photographie de rue on privilégiera des scènes avec trois ou cinq individus. En effet il semble que l’œil humain trouve cela plus esthétique.

Cependant cette règle n’est pas immuable, une scène comportant deux sujets en interaction (une conversation, un regard…) ne doit pas nécessairement comporter un sujet supplémentaire pour être plus intéressante. Mais cela doit être un choix réfléchi.

9. Remplir le cadre

« Si ta photographie n’est pas bonne c’est que tu n’étais pas assez près » (Robert CAPA)

Remplir le cadre avec votre sujet, en laissant peu ou pas d’espace autour de lui peut être très efficace dans certaines situations. Cela permet de concentrer complètement le spectateur sur le sujet principal sans aucune distraction. Cela permet également au spectateur d’explorer les détails du sujet, ce qui ne serait pas possible s’il était photographié de plus loin. Pour remplir le cadre, il faut souvent se rapprocher tellement que vous risquez de recadrer certains éléments de votre sujet. Dans de nombreux cas, cela peut conduire à une composition très originale et intéressante.

Pour une photographie de portrait cette technique est particulièrement efficace pour faire ressortir une texture de peau, la profondeur de l’iris ou encore d’autres détails. Cela permet au spectateur de se concentrer sur des détails tels que les yeux ou les textures.

10. Laisser un espace négatif

Cette règle va à l’encontre de la règle précédente mais chaque règle a ses avantages et doit faire l’objet de réflexion avant de choisir l’une ou l’autre technique.

Laisser beaucoup d’espace vide ou “négatif” autour de votre sujet peut être très attrayant. Cela crée un sentiment de simplicité et de minimalisme. Tout comme le fait de remplir le cadre, cela aide le spectateur à se concentrer sur le sujet principal sans être distrait. Cette technique peut également apporter une notion de volume et de perspective. La composition crée un fort sentiment de simplicité et permet de créer un impression d’espace, de respirabilité et de liberté.

HAïTI

Ce cliché d’un bateau de pêcheurs haïtiens a un espace négatif important. Cela crée de la simplicité et renforce les sentiments de solitude et de grandeur.

11. Simplicité et minimalisme

La règle précédente de l’espace négatif utilise la simplicité et le minimalisme

La simplicité elle-même peut être un puissant outil de composition.

« Less is more. »

La simplicité signifie souvent que l’on peu prendre des photos avec un arrière-plan simple et qui ne détourne pas l’attention du sujet principal. Vous pouvez également créer une composition simple en se focalisant sur une partie de votre sujet et en vous concentrant sur un détail en particulier.

Les photographes de macro utilisent souvent ces règles en se concentrant sur des goutes d’eaux, un flocon, une feuille… L’intérêt des objectifs de macro est la zone de mise au point extrêmement rapproché de l’objectif.

Un bokeh (flou d’arrière plan) très crémeux permet de détacher le sujet principal et de l’isoler. Ce qui introduit la règle suivante.

12. Isoler le sujet

Utiliser une faible profondeur de champ pour isoler votre sujet est un moyen très efficace de simplifier votre composition. En utilisant une grande ouverture, vous pouvez flouter l’arrière-plan qui pourrait autrement distraire de votre sujet principal. C’est une technique particulièrement utile pour la prise de vue de portraits.

Ce n’est pas pour rien que les smartphones proposent un effet de Bokeh artificiel. Les constructeurs savent très bien que cela flatte les utilisateurs.

13. Changez votre point de vue

La plupart des photos sont prises à hauteur des yeux dans les 1 mètre 70. Se mettre en hauteur pour shooter en plongée ou en bas pour être en contre-plongée peut être un moyen de créer une composition plus intéressante et plus originale d’un sujet commun. Il peut être très intéressant de prendre des photographies couchées, au raz du sol. Cela peut exagérer les perspectives. Ce point de vue permet d’augmenter les effets de reflets dans des flaques d’eau ou de changer de premier plan.

Pour une photographie urbaine il peut être intéressant de regarder en l’air. Prendre des photos de building en contre plongé au grand angle va créer un ensemble de lignes de fuites et de créer de la tension dynamique.

Parfois, pour trouver ce point de vue parfait, il faut sortir de sa zone de confort.

PARTEM

Regardez vers le ciel !

Cette photographie abstraite a été prise en contre plongée.

Les règles qui s’appliquent à cette composition sont les lignes directrices et le principe de tension dynamiques.

14. Recherchez des combinaisons de couleurs particulières

La photographie monochrome permet de se concentrer sur les ligne, les ombres, les contrastes… Ce type de photographie est souvent privilégié dans la photographie d’Art. Pourquoi ? Car la couleur n’apporte souvent pas grand chose à une composition photographique et l’enlever permet de simplifier la composition. Cependant la couleur peut être extrêmement intéressante et offre de nouvelles possibilités créatives.

Le conseil de nos professionnels : privilégiez la photographie en noir et blanc quand la couleur n’apporte aucune valeur à votre composition, pour en simplifier la lecture. Cela ne signifie pas qu’il faut la bannir, bien au contraire.

L’utilisation de la couleur est un outil de composition souvent négligé. La théorie de la couleur est un sujet que les graphistes, les créateurs de mode et les architectes d’intérieur connaissent bien. Certaines combinaisons de couleurs se complètent bien et peuvent être visuellement très frappantes.

Regardez la roue ci-dessus. Vous pouvez voir que les couleurs sont disposées logiquement dans les segments d’un cercle. Les couleurs qui sont opposées sur la roue des couleurs sont des couleurs “complémentaires”. En tant que photographes, nous pouvons rechercher des scènes qui incorporent des couleurs complémentaires afin de créer des compositions attrayantes et frappantes. Deux couleurs complémentaires sont des couleurs qui vont ensemble, ce principe est aussi bien valable en décoration intérieure que dans la mode, la photographie et l’art plus largement.

Avez-vous déjà remarqué combien d’affiches de films ont des combinaisons de couleurs bleu et jaune/orange ? Ces couleurs sont utilisées délibérément pour créer des publicités qui attirent l’attention. De plus le bleu est une couleur froide tandis que le rouge et jaunes sont des couleurs chaudes, cela crée un équilibre dans la photographie.

Pour trouver des couleurs orangées, il n’y a rien de mieux que la golden hour. La blue hour quant à elle permet d’avoir des bleus profonds que l’ont peut contraster avec la lumière chaudes des lampadaires. Une photo de nuit sera toujours plus intéressante prise lors de l’heure bleu. J’adore photographier les villes pendant l’heure bleue. Le bleu profond du ciel à cette heure-là constitue une toile de fond très attrayante pour l’architecture et les lumières de la ville. Le noir pur du ciel de fin de nuit n’est pas aussi frappant et contraste trop fortement avec les lumières de la ville.

15. La règle de l’espace

La règle de l’espace se rapporte à la direction vers laquelle le ou les sujets de votre photo sont tournés ou se déplacent. Si vous prenez une photo d’une voiture en mouvement, par exemple, il doit rester plus d’espace dans le cadre devant la voiture que derrière celle-ci. Cela permet de laisser un espace qui va suggérer le mouvement.

Sur cette photo, le bateau est placé sur le côté gauche du cadre et il se déplace de gauche à droite. Notez qu’il y a beaucoup plus de place pour le bateau devant sa direction de mouvement (à droite) que derrière lui. Nous pouvons imaginer mentalement que le bateau se déplace dans cet espace lorsqu’il navigue sur la rivière. Nous avons aussi un subconscient qui nous permet de regarder vers l’avant pour voir où un objet se dirige. Si le bateau se trouvait juste à droite du cadre, cela nous ferait sortir de la photo. La direction est importante et introduit la prochaine règle de composition photographique.

Cette technique peut également être utilisé pour des photos de personnes. La règle de l’espace suggère que le sujet doit regarder ou faire face au cadre plutôt que d’en sortir.

Dans la photo si dessous le corps de cette silhouette et tourné vers la droite et il est dirigé vers nous ce qui a dicté son titre : Domination.

DOMINATION

Il est nécessaire de voir cette photographie d’Art en grand format pour se rendre compte de la composition et de son immensité. Vous remarquerez d’ailleurs que cette photographie est faite de lignes directrices…

16. Règle de gauche à droite

Dans nos civilisation occidentales, nous lisons de gauche à droite. Tout cela est lié également à une symbolique qui fait partie de ce que les sociologue appellent la socialisation. Le social a déterminé cette règle. Nous « lisons” donc une image de gauche à droite de la même manière que nous lisons un texte. Pour cette raison, il est suggéré que tout mouvement représenté dans une photographie doit s’écouler de gauche à droite.

Cela suppose que le spectateur vient d’un pays où le texte est lu de gauche à droite. De nombreuses langues sont lues de droite à gauche, comme l’arabe par exemple. Une composition photographie de droite à gauche peut suggérer un retour en arrière, un regard sur le passé. Cette symbolique est importante pour comprendre une œuvre d’art.

17. Les éléments d’équilibre dans la scène

La première directive de composition que nous avons examinée dans ce tutoriel était la “règle des tiers”. Cela signifie bien sûr que nous plaçons souvent le sujet principal de la photo sur le côté du cadre, le long d’une des lignes de la grille verticale. Cela peut parfois entraîner un manque d’équilibre dans la scène. Cela peut laisser une sorte de “vide” dans le reste du cadre. Imaginez une photographie avec un premier plan très présent et qui prend tout un tier de l’image mais avec un arrière plan (visible) très lointain. Dans ce cas l’image manquera d’équilibre.

Pour surmonter ce problème, vous pouvez composer votre photo de manière à inclure un sujet secondaire de moindre importance ou de moindre taille de l’autre côté du cadre. Cela permet d’équilibrer la composition sans trop détourner l’attention du sujet principal de la photo. Cette règle ne va pas pour autant à l’encontre de la règle des impairs car ce rajout permet simplement de créer un équilibre, c’est un sujet secondaire.

Vous avez peut-être remarqué également que cela semble aller à l’encontre de l’idée d’espace négatif mentionnée dans la règle numéro 10 de la composition photographique.

Il n’y a pas de règles immuables dans la composition photographique. Certaines de ces règles se contredisent et c’est normal. Certaines lignes directrices fonctionnent bien pour certains types de photographies et pas pour d’autres. C’est une question de jugement et d’expérimentation. C’est à ce moment précis que votre expérience et votre sensibilité artistiques vont prendre le dessus.

Pour acquérir ce regard, cette manière de pensée et cultiver votre imagination, il est primordiale de se créer une réelle culture artistique. Lisez des livres de peinture, d’histoire de l’art, consultez notre galerie pour vous inspirer et ainsi prendre de meilleures photographies d’art.

18. Triangles d’or

La composition des triangles d’or fonctionne de manière très similaire à la règle des tiers. Cependant, au lieu d’une grille de rectangles, nous divisons le cadre avec une ligne diagonale allant d’un coin à l’autre. Nous ajoutons ensuite deux lignes supplémentaires à partir des autres coins à la ligne diagonale. Les deux plus petites lignes sont perpendiculaires à la diagonale qui divise la photographie en deux. Cela divise le cadre en une série de triangles. Comme vous pouvez le voir, cette façon de composer nous aide à introduire un élément de la “tension dynamique” dont nous avons parlé dans la règle numéro 6 de la composition en photographie. Comme pour la règle des tiers, nous utilisons les lignes (des triangles dans ce cas) pour nous aider à positionner les différents éléments dans la scène. Et les poins de force sont les deux point d’intersection.

Cette technique est plus difficile d’accès, mais on l’a rencontre également moins fréquemment

Exemple utilisant des triangles d’or :

des montagnes qui suivent les lignes
Une photographie contenant un perspective (par exemple une grande avenue)

Les triangles d’or peuvent s’apparenter à la règle des tiers dans certains cas et avoir les mêmes points de force. Cette règle s’applique en construisant sa composition autour de triangles.

19. Le nombre d’or

Le nombre d’or est considéré comme la proportion parfaite, sacrée, divine. C’est donc une proportion géométrique.

C’est l’unique rapport a/b entre deux longueurs a et b telles que le rapport de la somme a + b des deux longueurs sur la plus grande

Dit autrement, nous trouvons le nombre d’or lorsque nous divisons une ligne en deux parties de sorte que la partie longue divisée par la partie courte est également égal à toute la longueur divisée par la partie longue :

Le nombre d’or est à peu près égal à 1.61803398874989484820…

En mathématique on appel cela un nombre irrationnel.

Je vous dispense de toute les autres explications mathématiques. Le nombre d’or à été construit de manière mathématique et il fait l’objet de fascinations.

Il est vrai que la méthode du nombre d’or pour composer une photographie peut sembler très complexe au premier abord. En réalité, elle est assez simple. C’est comme une version un peu plus complexe de la règle des tiers. Au lieu d’une grille régulière, le cadre est divisé en une série de carrés comme dans l’exemple ci-dessous. C’est ce qu’on appelle une “grille Phi”. Vous pouvez ensuite utiliser les carrés pour dessiner une spirale qui ressemble à une coquille d’escargot. C’est ce qu’on appelle une “spirale de Fibonacci”. Les carrés aident à positionner les éléments dans la scène et la spirale nous donne une idée de la façon dont la scène doit se dérouler. C’est un peu comme une ligne de conduite invisible.

On pense que la méthode de composition en spirale d’or existe depuis plus de 2 400 ans et qu’elle a été inventée dans la Grèce antique. Elle est largement utilisée dans de nombreux types d’art ainsi qu’en architecture (notamment dans la construction des temples Grecs) comme moyen de créer des compositions esthétiquement agréables. Elle a été particulièrement bien employée dans l’art de la Renaissance.

On utilise souvent cette règle de façon inconsciente d’ailleurs, regardez vos plus belles photographies et certaines respectent sûrement ce nombre mythique.

20. Ne coupez pas votre sujet.

Cette règle peut paraitre évidente pour certains mais je vois cette erreur trop souvent. Ne coupez pas une oreille, une main ou une partie d’un objet.

Lorsque vous prenez un portrait et que vous voulez avoir un cadrage plus serré, vous êtes obligez de couper. Cependant il faut le faire de manière intelligente. Ne coupez pas les mains les oreilles les pieds… Ne coupez pas les extrémités. Si vous voulez couper, ne coupez pas non plus au niveau d’une articulation comme le poignet, le genoux, le bassins…

Il faut couper au centre de membres long comme au milieu de la cuisse (pour un portrait en plan américain) ou par exemple au niveau du ventre. Les coupes doivent être franches et ne pas donner une impression de grignotage ou d’oubli. Faites donc attention à votre cadrage, cela peut ruiner une photographie intéressante.

Conclusion :

Il est évident qu’il serait impossible d’avoir toutes ces règles de composition en tête lorsque vous prenez des photographies. Cependant pouvez en sélectionner deux lors d’une sortie et vous astreindre à ces règles lors de votre sortie. La fois suivante vous en choisirez deux nouvelles. Vous pourriez faire une séance de photos où vous chercheriez des situations pour utiliser un “cadre dans un cadre” par exemple tout en respectant la règle des tiers.

Au bout d’un certain temps, vous constaterez que beaucoup de ces directives s’enracinent. Vous commencerez à les utiliser naturellement, sans avoir à y penser, tout cela inconsciemment. Cet ensembles de règles de compositions photographiques devrait vous faire passer à un niveau supérieur en photographie. Si cet article vous a été utile n’hésitez pas à le partager à vos amis pour qu’ils puissent également progresser.

Publié le janvier 27, 2021janvier 3, 2023 par Gauthier — Laisser un commentaire

Comment prendre de belles photos avec un téléphone ? 25 conseils et astuces

Comment prendre de belles photos avec un téléphone ?
25 conseils et astuces

Le meilleur appareil photo est celui que vous avez avec vous ! Il peut être frustrant d’avoir un bon appareil photo (oui les téléphone sont bon en photo!) et de ne pas trop savoir comment en tirer les plus belles images. Il est toujours satisfaisant de faire de belles photos, flateuses, avec des beaux sourires, une belle lumière… Vous allez pouvoir montrer que vous êtes un bon photographes avec ces 25 règles de photographie. Vous allez apprendre comment améliorer vos photographies faite avec vos téléphones simplement.

1. Utilisez des lignes de quadrillage pour équilibrer votre photo.

L’un des moyens les plus simples et les plus efficaces d’améliorer vos photos sur vos iPhones ou autre téléphones, il suffit d’activer les lignes de quadrillage de l’appareil photo. Cela consiste à superposer une série de lignes sur l’écran de l’appareil photo de votre smartphone qui sont basées sur la “règle des tiers ». La règle des tiers est LE principe de base de composition photographique : une image doit être décomposée en tiers, à la fois horizontalement et verticalement, de sorte que vous aillez neuf parties au total.

Selon cette théorie, si vous placez des points d’intérêt dans ces intersections (on les appels également point de force) ou le long des lignes, votre photo sera plus équilibrée, plus plane et permettra aux spectateurs d’interagir avec elle de manière plus naturelle.

Je vais vous donner quelques exemples :

pour un portrait essayez de placer les yeux de la personne sur la ligne du haut
Pour un paysage placez l’horizon sur cette même ligne et si le ciel est intéressant, placez l’horizon sur la première. Nous verrons plus tard comment rendre un ciel intéressant.

Ces lignes permettent également d’avoir un horizon qui est toujours droit ce qui est primordial pour une bonne photo.

Vous pouvez activer cette grille sur tous les smartphones Android et iPhones mais également sur les appareils photos.

Voici comment faire :

iPhone : Allez dans “Réglages”, choisissez “Photos et appareil photo” et activez “Grille”.

Smartphone Android : Lancez l’application appareil photo, allez dans “Réglages”, faites défiler vers le bas et activez l’option “Grille”.

2. Réglez la mise au point de votre appareil photo.

Les appareils photo des téléphones d’aujourd’hui font automatiquement la mise au point sur le premier plan de votre cadre, mais toutes les photos que vous prenez avec votre téléphone n’ont pas un sujet évident. Pour régler la mise au point de l’objectif de votre appareil photo, ouvrez l’application de votre appareil photo et touchez l’écran à l’endroit où vous voulez affiner la vue.

Si vous prenez une photo de quelque chose en mouvement, par exemple, il peut être difficile pour votre appareil de suivre ce sujet et de faire la mise au point si nécessaire. Touchez l’écran pour corriger la mise au point de l’appareil photo de votre téléphone juste avant de prendre la photo afin de vous assurer que le sujet en mouvement est aussi net que possible. Une icône carrée ou circulaire doit alors apparaître sur l’écran de votre appareil photo, ce qui permet de faire la mise au point sur tout le contenu de cette icône.

3. Faites la mise au point sur un sujet.

Les meilleures photos ne comportent en générale qu’un seul sujet intéressant. Donc, lorsque vous en prenez une, passez un peu plus de temps à préparer la photo. Certains photographes professionnels affirment que le sujet ne doit pas remplir tout le cadre et que les deux tiers de la photo doivent être constitués d’un espace négatif (on en revient à la règle précédente) cela aide le sujet à se démarquer encore plus.

Mais n’oubliez pas de tapoter l’écran de votre smartphone pour faire la mise au point de l’appareil photo sur votre sujet, cela permettra de s’assurer qu’il est bien mis au point et que l’éclairage est optimisé.

Conseil de nos photographes professionnels : Une fois que vous avez pris votre photo, vous pouvez utiliser des filtres et des applications pour rendre le sujet encore plus vivant, ou pour le recadrer afin de le cadrer correctement. La luminosité, le contraste et la saturation de la photo peuvent également être ajustés en conséquence, le tout depuis votre téléphone.

4. Embrassez l’espace négatif.

« L’espace négatif » désigne simplement les zones autour et entre les sujets d’une image. Cet espace peut faire passer une photo de “bonne” à “excellente”.

Lorsque vous incluez beaucoup d’espace vide dans une photo, votre sujet se démarquera davantage et suscitera une réaction plus forte de votre spectateur.

À quoi ressemble un espace négatif ? Il s’agit souvent d’une grande étendue de ciel ouvert, d’un champ vide, d’un grand mur ou d’eau, comme dans l’exemple ci-dessous.

Haitï

Cette photographie disponible dans notre Galerie d’Art illustre bien cette notion.

5. Trouvez des perspectives différentes.

Prendre des photos sous un angle unique et inattendu peut les rendre plus mémorables, cela tend à créer une illusion de profondeur ou de hauteur avec les sujets. L’image est également mise en valeur car la plupart des photos mobiles sont prises de manière classique, il faut vous démarquer.

Essayez de prendre une photo directement vers le haut (en contre plongée) et de jouer avec le ciel comme espace négatif, comme sur la première photo ci-dessous. Vous pouvez aussi essayer de prendre une photo avec un léger angle vers le bas.

Exemple :

une photo prise en contre plongée (vers le haut) au niveau de la taille pour un photographie de portrait va grandir une personne.
Une photo prise en contre plongée peut agrandir le regard de votre sujet
Une photographie prise au raz du sol peut changer totalement une photographie pour par exemple mettre en valeur des lignes au soz

Stop

STOP qui est une œuvre de POP Art a été prise au raz du sol et se joue de la perspective pour prolonger l’œuvre d’Allan D’Arcangelo « u. s. highway 1, number 5 » conservé au MOMA (museum of modern art)

Découvrez cette œuvre pour en savoir plus sur son histoire…

Conseil pratique : si vous prenez une photo et trouvez que la perspective est un peu de travers ou inclinée, utilisez l’application de retouche photo Photoshop mobile pour que les lignes paraissent nettes et carrées.

6. Jouez avec les réflexions.

Il y a quelque chose de tellement idyllique à voir le ciel se refléter dans une masse d’eau…

Il y a une raison pour laquelle nous aimons voir cela : nos yeux sont attirés par les reflets. Cherchez donc des occasions de jouer avec eux dans les photos.

Il existe de nombreux endroits où l’on peut trouver des reflets – des flaques d’eau, des plans d’eau plus grands, des miroirs, des lunettes de soleil, des verres et des surfaces métalliques, des vitrines…

Exemple :

pour utiliser le reflet d’une flaque d’eau placez votre smartphone au raz du sol

Conseil de nos photographes professionnels : vous pouvez créer vous même les reflets avec la surface de l’écran d’un téléphone collée horizontalement à l’objectif de l’appareil photo (smartphone ou non), vous pouvez également créer une petite flaque d’eau avec la bouteille que vous emportez avec vous, c’est mon secret.

7. Utilisez des lignes directrices.

Sur certaines photos, une ligne attire l’œil du spectateur vers une certaine partie du cadre. C’est ce qu’on appelle les lignes de guidage. Elles peuvent être droites ou circulaires. Pensez aux escaliers, aux façades de bâtiments, aux voies ferrées, aux routes, ou même à un chemin à travers les bois.

Les lignes de fuite sont idéales pour créer un sentiment de profondeur dans une image et peuvent donner à votre photo un aspect délibérément conçu, même si vous venez de tomber sur une forme vraiment cool par hasard. Utilisez ces techniques en les combinant à la grille et en faisant passer la ligne par un point de force.

Exemple :

– Placez votre sujet sur une de ses lignes pour guider le regard, si la ligne est suffisamment marquée elle peut devenir le sujet

Photographie de Nantes

Dans cette photo de Nantes les lignes guident le regard et apporte du dynamisme à la scène. Le dynamisme est renforcé par le coureur.

Découvrez les choix du photographes.

DOMINATION

Dans cette composition toutes les lignes convergent vers le sujet.

VESUVIO et INFERNUM

Dans ces deux Photographies d’Art les courbent guident le regard…

La plupart des photographes professionnels utilisent la technique des lignes directrices notamment les artistes de notre Galerie d’Art.

8. Recherchez la symétrie.

La symétrie est selon Erasme « la suprême harmonie du monde ».

Les photos qui contiennent de la symétrie peuvent être incroyablement agréables à l’œil. C’est aussi l’une des façons les plus simples et les plus convaincantes de composer une photo.

En photographie, la symétrie signifie généralement la création d’une image qui peut être divisée en deux parties égales qui sont des images miroir l’une de l’autre. C’est un peu différent des reflets, la symétrie peut être trouvée “dans la nature”, mais il est tout de même plus facile d’en trouver dans des photographies urbaines.

Stop

Découvrez cette œuvre pour en savoir plus sur son histoire…

N’oubliez pas : utilisez les lignes de la grille de l’astuce n°1 pour aligner parfaitement les objets.

9. Gardez un œil sur les schémas répétitifs.

Les motifs répétitifs sont très agréables à l’œil, ils apparaissent chaque fois que des éléments graphiques forts sont répétés à l’infini, comme des lignes, des formes géométriques, des formes et des couleurs. Ces motifs peuvent avoir un fort impact visuel, et photographier quelque chose comme un beau sol carrelé peut suffire à créer une image saisissante. D’autres fois, il est plus amusant de garder un œil sur les endroits où ils apparaissent naturellement ou involontairement,

10. Jouez avec le blocage des couleurs.

N’est-ce pas cool quand une photo entière est en noir et blanc, à l’exception d’un seul objet ? Cela s’appelle de la dénaturation partielle. Il existe des applications pour cela comme Photoshop mobile. Il suffit d’aller dans la saturation des couleurs et de dés saturer toute les couleurs sauf celle que vous voulez garder.

Le blocage des couleurs peut aider à mettre en évidence les éléments d’une photo que vous voulez faire ressortir, comme une plante ou quelque chose d’autre avec une teinte forte.

Conseil de nos professionnels : n’abusez pas de cette technique, il est préférable d’y aller avec parcimonie dans un premier temps pour simplement mettre en avant un objet. Cette technique peut être utilisé notamment pour créer des effet qui rappellent certains courants artistique comme le pop art.

11. Évitez de zoomer.

Lorsque vous prenez une photo de loin, il est tentant de faire un zoom avant sur quelque chose de précis que vous essayez de saisir. Mais il est préférable de ne pas zoomer, car cela peut donner à la photo un aspect granuleux, flou ou pixélisé.

En effet les appareils photo mobiles ne disposent pas de zoom optique mais d’un zoom numérique, c’est à dire que le téléphone prend la photo comme si vous n’aviez pas zoomé et grossit artificiellement l’image.

« Si ta photographie n’est pas bonne c’est que tu n’étais pas assez près » (Robert CAPA)

Essayez plutôt de vous rapprocher de votre sujet (sauf s’il s’agit d’un animal sauvage, auquel cas nous vous conseillons de garder vos distances) ou de prendre la photo à une distance par défaut, et de la recadrer plus tard. De cette façon, vous ne compromettrez pas la qualité et il sera plus facile de jouer ou d’optimiser une image plus grande.

12. Saisir les petits détails.

« Les détails font la perfection, et la perfection n’est pas un détail » (Léonard de VINCI)

Les images qui capturent des détails petits, complexes et délicats peuvent donner un contenu visuel vraiment convaincant. Gardez un œil sur les textures et les motifs comme la peinture qui s’écaille, une route de gravier un plateau de carrelage, une texture de peau…

Conseil de pro : Utilisez l’outil “sharp” de votre application de retouche photo préférée pour affiner (de manière conservatrice) les détails de votre photo. Vous pouvez également sur n’importe qu’elle application de retouche photographiques augmenter le curseur de « clarté ». Attention : ce curseur ne peut pas faire de miracle, un photo floue ne deviendra pas nette, mais cette outil est extrêmement intéressant si vous voulez accentuer des détails déjà présents et nets.

13. Utilisez la lumière naturelle.

Il est difficile de trouver une bonne photo de smartphone qui a été prise avec un flash.

N’utilisez jamais le Flash intégré de votre smartphone !!

La plupart du temps, ils donnent l’impression que la photo a été surexposée, altérant négativement les couleurs et donnant l’impression que les sujets humains ont été délavés. En fait, même le flash du dernier iPhone a des défauts.

Profitez des sources de lumière naturelle que vous pouvez trouver, même la nuit. Cela vous permet de jouer avec les ombres, comme dans la deuxième image ci-dessous, ou de créer une silhouette avec d’autres sources de lumière ambiante, comme la circulation et les bâtiments environnants.

Une fois que vous avez pris la photo, jouez avec l’outil “Exposition” de votre application de retouche photo pour voir si vous pouvez rendre l’image légèrement plus lumineuse, sans la rendre trop granuleuse.

Conseil de pro : pour des photographies en intérieurs n’utilisez que de la lumière naturelle et augmentez l’exposition de la photo sur votre application de retouche (c’est ce que font tous les influenceurs)

14. Si vous utilisez le flash, ne le faites que pendant la journée.

Parfois, l’utilisation du flash de votre appareil photo peut améliorer une photo – mais c’est rarement le cas la nuit. Comme les photos sombres révèlent un contraste beaucoup plus net par rapport au flash de votre téléphone, il peut donner à n’importe quel aspect du flash un aspect envahissant et irrégulier

Dans les espaces déjà bien éclairés, cependant, un flash peut aider à atténuer certaines ombres sombres derrière ou sous votre sujet principal (on appel cela déboucher des ombres).

Lors du cadrage de votre prochaine photo, regardez sur le sol ou sur des surfaces verticales pour voir si vous souhaitez supprimer les ombres sombres. Si vous en voyez, allumez le flash manuellement dans l’application de votre appareil photo. Le réglage du flash de votre téléphone sur “auto” ne garantit pas que votre téléphone remarquera les ombres dont vous voulez vous débarrasser. N’oubliez pas de réactiver le flash lorsque vous avez terminé.

Considérez l’importance du flash pour améliorer ou masquer certaines lignes et caractéristiques la prochaine fois que vous photographiez un produit.

15. Envisagez d’acheter un trépied mobile.

Bien que les appareils mobiles permettent de prendre facilement n’importe quelle photo en déplacement, il n’y a jamais eu de moyen facile de s’assurer que la photo reste droite et équilibrée lors de la prise de vue – surtout si vous voulez être sur la photo et pas seulement prendre un selfie typique avec votre bras étendu.

Les trépieds mobiles vous donnent la liberté de monter votre smartphone pour des prises de vue rapides en mains libres, sans avoir à transporter d’équipement lourd avec vous. La plupart des trépieds mobiles sont à peine plus grands que votre appareil mobile et peuvent se plier à n’importe quel angle. Privilégiez les trépieds type gorilla pod. Le trépied va vous permettre d’enlever le flash la nuit sans avoir de photo floues car l’appareil fera une pause longue, c’est à dire que la photo sera prise sur un temps plus long pour capturer plus de lumière. Ainsi vous pourrez faire des photos sans flash et nettes de nuit.

16. Réglez manuellement l’exposition de votre application photo.

Une autre fonction de l’appareil photo mobile que vous voudrez régler manuellement est l’exposition. En touchant votre écran lorsque l’appareil photo de votre téléphone est allumé, vous ne faites pas que recentrer l’objectif sur un nouveau sujet, mais vous réglez aussi automatiquement la quantité de lumière que l’appareil laisse entrer. Cela aussi ne sera pas toujours parfait. Il est préférable de le régler à la main.

Pour modifier l’exposition de votre appareil photo mobile à la main, ouvrez l’application de votre appareil photo et touchez l’écran. Lorsque vous verrez l’objectif se recentrer, vous verrez une très petite icône de soleil et une échelle verticale. Faites glisser lentement votre doigt de haut en bas de cette échelle pour ajuster le niveau de lumière.

17. Tentez l’Abstrait.

Les photos abstraites sont destinées à capturer l’essence d’un objet, ou d’une série d’entre eux, sans révéler l’ensemble du paysage. En d’autres termes, elles servent à créer des images uniques et surprenantes à partir de sujets ordinaires.

Cet aspect peut être obtenu en recadrant une partie abstraite d’une photo par ailleurs normale, ou en prenant des gros plans d’objets qui laissent le spectateur se demander – en admiration, bien sûr – quel pourrait être le sujet. Et les sujets présentant des motifs ou des répétitions sont d’excellents candidats pour la photographie abstraite, comme dans la photo des figues coupées ci-dessous.

PARTEM

Cette œuvre fait référence à l’abstraction lyrique qui est un courant d’art abstrait…

Venez découvrir les références cachées de cette photographie abstraite ainsi que l’interprétation qui peut en être faite.

18. Prenez des candides.

Les photos posées peuvent être très utiles pour conserver des souvenirs – des moments heureux avec des amis, de la famille, ou la rencontre occasionnelle avec une célébrité. Mais parfois, des photos candides de personnes en train de faire des choses, ou de personnes avec des amis, peuvent être bien plus intéressantes.

C’est parce que les photos candides sont mieux à même de capturer efficacement l’émotion et l’essence d’un moment.

Pensez à la photo « le baiser de l’hôtel de ville » de Robert Doisneau.

L’une des meilleures façons de capturer ce genre de photo est de prendre le plus de photos possible. Vous aurez plus de choix, et les meilleures photos sont souvent prises lorsque les “étoiles s’alignent”, pour ainsi dire, en un seul instant, les yeux de tout le monde sont ouverts, une personne penche la tête juste comme ça, et vous avez enfin une photo de votre ami naturel.

19. Racontez une histoire.

La composition est un élément essentiel de la qualité d’une photo, mais le sujet de la photo l’est tout autant. Certaines des photos les plus esthétiques et les plus remarquables sont le fruit d’idées originales et uniques. Les images sont plus efficaces que le texte pour évoquer l’émotion de vos spectateurs, cela signifie souvent que vos photos doivent dire quelque chose.

« Une image vaut mille mots »

Essayez de sortir des sentiers battus en ce qui concerne ce que vous capturez : vos spectateurs pourraient être agréablement surpris par un sujet cool ou inattendu.

20. Faites-les rire.

En parlant d’émotion, les photos les plus mémorables sont parfois celles qui nous font rire.

De plus le rire permet de détendre l’atmosphère autour des personne qui ne sont pas habituées à être prise en photo. On dit qu’un vrai sourire se fait avec les yeux et cela est vrai, lorsque l’ont souris, tout notre visage entre en action, les yeux, les pommettes et les lèvres. Ainsi vous pourrez obtenir des sourires naturels même des personnes habituées à sourire sur demande.

Un vrai sourire dégage toujours plus d’émotions…

21. Nettoyez la lentille de votre téléphone.

L’appareil photo d’un smartphone est peut-être plus pratique à transporter que celui d’un véritable photojournaliste, mais il a un prix : celui de la protection.

Votre téléphone se trouve généralement dans votre poche ou votre sac lorsque vous êtes en déplacement. Pendant ce temps, l’objectif de l’appareil photo recueille toutes sortes de poussières et de peluches. Veillez à nettoyer cet objectif avec un mouchoir doux avant de prendre une photo. Il se peut que vous ne puissiez pas savoir à quel point l’objectif était sale avant de commencer à modifier votre photo, et le fait de s’assurer que l’objectif est parfaitement clair avant de prendre une photo peut vous éviter de repartir de zéro. De plus, vous pouvez également acheter l’équivalent des protections d’écran en verre trempé mais pour les lentilles d’appareils photos, cela peut éviter de le rendre inutilisable si vous le rayez.

22. Fixez un objectif externe.

Vous voulez faire des photographies plus professionnelles ? Les objectifs externes sont faits pour vous. Il en existe plusieurs qui peuvent être fixés sur la partie supérieure de l’objectif natif de votre smartphone.

Du fish-eye (ultra grand-angle) à la focale longue (zoom), ces accessoires peuvent apporter une qualité et une perspective entièrement nouvelles à vos photos. On en trouve à tous les prix.

23. N’ayez pas peur d’éditer.

Composer et prendre une photo sur votre smartphone n’est que la première étape pour la rendre visuellement attrayante. L’édition de vos photos est l’étape suivante, et elle est très importante. Les filtres peuvent être un outil photographique précieux, en particulier lorsqu’il s’agit d’atteindre deux objectifs : éliminer les imperfections d’une photo et rendre la nourriture encore plus délicieuse.

Si vous voulez éliminez les boutons d’une personne, augmenter la netteté de ses yeux, il va falloir se mettre à la retouche photographie

Notre astuce de retouches pour des ciels intenses en noir et blanc : diminuez les hautes et basse lumières, et augmentez fortement le contraste en ajoutant un filtre dégradé.

24 : Ne forcez pas

« Less is more »

N’abusez pas des réglages, si vous débutez ne forcez par les curseur au maximum, n’essayez pas de faire la photo parfaite. Amusez vous et n’oubliez pas que l’élégance est dans la simplicité.

25 : Inspirez vous !

La meilleure chose à faire pour progresser est de chercher de l’inspiration. Vous pouvez en retrouver sur notre galerie d’Art (Art Piece) mais également sur les réseaux sociaux, le problèmes de ces derniers c’est la monotonie. En effet les photographies misent en avant sur les réseaux sociaux sont toujours les mêmes, des photographies sur-saturées, des peaux trop parfaites, et des retouches trop importantes (n’oubliez pas la règle précédente).

Conclusion :

Mélangez les techniques et astuces que vous avez appris, elles se complètent, la règle la plus importante est la règle des tiers, rien que cette technique devrait vous faire un bon en avant. N’hésitez pas à transgresser certaines règles, elles ne sont pas absolues, mais ce sont des conseils de nos professionnels de l’image. Vous allez désormais pouvoir montrer à vos amis vos talent de photographes en modifiant simplement quelques petites choses. N’oubliez pas que si vous êtes ici c’est que vous avez envie de vous améliorer et vous avez l’âme d’un créateur, alors amusez vous et faites pleins de jolies photos.

Publié le décembre 22, 2020janvier 3, 2023 par Gauthier — Laisser un commentaire

Digital Painting (peinture numérique)

Qu’est-ce que le digital painting ?

Le digital painting (ou La Peinture numérique) est une forme d’Art émergente dans laquelle les techniques traditionnelles sont reproduites à l’identique par l’outil numérique. Le crayon, le fusain, les acryliques, l’aquarelle, la peinture à l’huile, l’empâtement, et toutes les couleurs sont réunis dans un simple stylet. C’est donc un programme informatique qui va reproduire à l’identique toutes les spécificités des outil physiques. Le digital painting est utilisé dans le monde professionnel et artistiques comme l’illustration (vectorielle ou non…), le design, la bande dessinée, la publicité, le graphisme…

Pourquoi le digital painting ?

Le digital painting permet donc de transporter toute une palette d’outils avec une simple tablette et/ou un ordinateur. C’est donc beaucoup plus pratique. De plus grâce à l’évolution des programmes informatiques les outils sont désormais extrêmement réaliste. Il est possible de choisir (simuler), n’importe quel support : du papier avec des grains différents, des toiles …

Le digital painting est un outil qui permet la perfection. Plus de traits de constructions apparents, des lignes droites et des courbes parfaites, des dégradés parfais…

La peinture numérique permet de redimensionner son œuvre et de l’imprimer dans la taille que l’on souhaite.

La peinture numérique devient reproductible et permet un accès plus large à l’art. Une peinture n’est plus unique, il est possible de se donner les moyens de l’acquérir.

Avec des outils numériques en évolution perpétuelle, le dessin, la peinture, l’Art se démocratise et peu embrasser une grande partie de la population. Ces avancées permettent également à plus de personnes de devenir des artistes. Il est beaucoup plus facile et accessible (même en termes de coûts) de faire de la peinture numérique. Il n’y a plus de temps de séchage, plus de pose de fixateur, plus d’erreurs. La seule limite est votre imagination car la technique n’est plus un frein.

Un art émergent.

Le digital painting est un art peu présent dans les galeries d’Art traditionnelles. Il est donc assez rare d’en voir à part sur les réseaux sociaux. Il est donc assez difficile de se. procurer ces tableaux d’art pour par exemple décorer un intérieur avec une pièce originale.

Découvrez nos œuvres de digital painting/peinture numérique

Photographie d’Art ou digital painting
Tirage d’Art ou support Aluminium
Grand format 105 x 70
Quantité limitée à 500 exemplaires

Quels sont les outils nécessaires au digital painting ?

Pour vous initier à la peinture numérique nous vous proposons deux choix clés en main.

Notre premier choix pour débuter le digital painting :

Un ordinateur ainsi qu’une tablette graphique et Photoshop.

- L’ordinateur doit être assez puissant pour faire tourner Photoshop.
- Pour choisir un ordinateur privilégiez un processeur avec le plus de cœurs possibles en fonction de votre budget (la carte graphique n’est presque pas importante)

Une tablette graphique que nous vous recommandons sont des tablettes que vous pouvez trouver sur Amazon. Nous vous conseillons deux marques Wacom et Huion.

Si vous voulez prendre un ordinateur sans trop réfléchir prenez le Nouveau MacBook Pro 13 pouces avec sa nouvelle puce M1.

Wacom Intuos M Bluetooth : le meilleur rapport qualité prix du marché elle fait approximativement la même taille qu’un MacBook pro 13 pouces
Conseils : prenez une tablette de même dimension (ou proche) que l’écran sur lequel vous dessinez. Ne prenez pas une tablette avec peu de points de pressions, et ne prenez pas de tablette entrée de gamme (- de 50€)

Notre second choix est l’iPad pro, il est actuellement utilisé par de nombreux professionnels et créatifs.

Ces avantages :

C’est étonnamment la solution la moins cher. En effet un iPad pro avec son Apple Pencil 2 à partir de 899€, sera souvent moins cher qu’un bon ordinateur (puissant et avec un écran IPS qui reproduit les couleurs fidèlement) accompagné de sa tablette graphique.
Nomade et autonome. C’est un tout en un puissant et ergonomique. Vous pouvez utiliser cet outil n’importe où pour dessiner ou peindre. Il dispose également d’une batterie qui a une autonomie supérieure à la majorité des ordinateurs.
Puissant et très performant. L’iPad Pro est parfaitement optimisé pour faire tourner les logiciels comme Photoshop.
Procreate cette Application est plébiscitée par les professionnels et les artistes en herbe pour réaliser tous leurs projets de dessins.

Découvrez nos œuvres de digital painting/peinture numérique

Photographie d’Art ou digital painting
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Quantité limitée à 500 exemplaires

Une Wacom Cintiq est-ce la tablette idéale ?

Si vous êtes sur cet c’est sûrement que vous n’êtes pas des professionnels avec des besoins vraiment spécifiques

Les désavantages de la Wacom Cintiq sont le manque de flexibilité et le manque de mobilité. Cette tablette peut être utile seulement si vous avez un usage professionnel de bureau et a domicile. Dans le reste des cas nous vous conseillons les nouveaux iPads pros.

Vous avez maintenant les outils pour commencer la peinture numérique

La peinture numérique fait appel aux mêmes principes de compositions, de perspectives et de proportions que dans le dessin traditionnel. Il est donc conseillé d’apprendre les bases avant de vous lancer dans le digital painting.

Découvrez nos œuvres de digital painting/peinture numérique

Photographie d’Art ou digital painting
Tirage d’Art ou support Aluminium
Grand format 105 x 70
Quantité limitée à 500 exemplaires