Quelles sont les règles de composition en photographie ?
Il n’y a pas de règles immuables dans la façon dont vous devez composer vos photographies. Mais avant de s’affranchir de ces règles photographiques, il faut d’abord les maitriser. Il existe donc plusieurs techniques de composition en photographie que vous pouvez utiliser pour améliorer vos photos de façon significative. De plus maîtriser ces règles permet à vos spectateurs de comprendre vos photographie. Ces grands principes de la photographie sont inspirés des plus grands peintres et artistes.
Nous allons donc voir comment les différentes lignes directrices influent sur vos photos, accompagnées d'exemples pour chacune d'entre elles. Nous avons recueillis ici une liste de 20 règles de composition photographiques que vous pourrez utiliser à n’importe quel moment. Ces règles constituent la base de la composition en photographie.
Qu’est-ce que la composition en photographie ?
La composition fait référence à la façon dont les différents éléments d’une scène sont disposés dans le cadre en créant une harmonie. Il ne s’agit pas de règles strictes mais il est nécessaire de les connaître. Beaucoup d’entre elles sont utilisées dans l’art depuis des milliers d’années et elles aident vraiment à réaliser des compositions plus attrayantes et cohérentes. Nos photographes d’Art utilisent notamment ces techniques dans bon nombre de leurs photographies.
Commençons par la technique de composition la plus connue et la plus importante : La règle des tiers.
1. La règle des tiers
La règle des tiers est très simple. Vous divisez le cadre en 9 rectangles égaux, 3 en travers et 3 en bas, comme illustré ci-dessous. De nombreux fabricants de caméras ont en fait inclus la possibilité d’afficher cette grille en mode de visualisation en direct. Consultez le manuel de votre caméra pour savoir comment activer cette fonction.
L’idée est de placer le ou les éléments importants de la scène le long d’une ou de plusieurs lignes ou à l’intersection de ces lignes. Le placer en dehors du centre en utilisant la règle des tiers permettra le plus souvent d’obtenir une composition plus attrayante. De plus nous avons une tendance naturelle à vouloir placer le sujet principal au milieu ce qui est rarement le plus optimal.
La théorie est que si vous placez les points d’intérêt aux intersections (points de force) ou le long des lignes, votre photo devient plus équilibrée et permet à un spectateur d’interagir avec l’image de façon plus naturelle.
Des études ont montré que lorsque l’on regarde des images, les yeux des gens se dirigent généralement vers l’un des points d’intersection de manière plus naturelle que vers le centre de la photo – l’utilisation de la règle des tiers fonctionne avec cette manière naturelle de regarder une image plutôt que de travailler contre elle.
Astuces de nos professionnels :
- La règle des tiers permet également d’avoir un bon équilibre dans les photos de paysages entre ciel et terre.
- Lorsque vous réalisez un portrait placez les yeux sur la ligne supérieure, si le portrait est en format paysage ou qu’il est dans un format plus large, placez l’œil droit sur un des points de force
La règle des tiers est très esthétique quand on utilise un format carré, je vous recommande d’essayer ce format qui change de l’ordinaire.
Bruncvík Pont Charles
La tête du chevalier de la légende tchèque est placé sur un des points de force dans cette composition . Notre regard se dirige donc naturellement vers celui-ci. Cette photographie d’Art au format carré a été construit en diptyque avec la photo du Pont Charles à Prague.
Ce tirage d’Art inclue également d’autres règles de composition comme celle de la tension dynamique.
2. Composition centrée et symétrie
Maintenant que je vous ai dit de ne pas placer le sujet principal au centre du cadre, je vais vous dire de faire exactement le contraire ! Il y a des moments où placer un sujet au centre du cadre fonctionne nettement mieux. Les scènes symétriques sont parfaites pour une composition centrée.
STOP
Stop est une oeuvre inspiré du Pop Art et notamment de l’oeuvre d’Allan D’Arcangelo « u. s. highway 1, number 5 » qui est conservé au MOMA (museum of modern art) .
Ici la route crée un axe de symétrie qui aide à la lecture de l’image.
Les scènes contenant des reflets sont également une excellente occasion d’utiliser la symétrie dans votre composition. Vous pouvez souvent combiner plusieurs règles de composition dans une seule photo comme la règle des tiers et un symétrie avec de l’eau par exemple. Pour obtenir de meilleurs reflets, rapprochez vous de l’eau et du sol, cela donnera une autre perspective. Pour lisser une surface d’eau, vous pouvez utiliser une pause longue en fermant votre diaphragme.
3. Détachement du premier plan
Inclure un premier plan dans une scène est une excellente façon d’ajouter un sentiment de profondeur à la scène. Les photographies sont par nature en deux dimensions. Inclure un intérêt de premier plan dans le cadre est l’une des nombreuses techniques permettant de donner à la scène un aspect de profondeur et d’une troisième dimension. Pour exagérer une perspective, utilisez un grand angle.
MALTA BUS
Dans cette photographie prise à Malte, le sujet est un vieux bus…
Le premier plan se détache nettement .
4. Un cadre dans le cadre
L’inclusion d’un “cadre avec le cadre” est un autre moyen efficace de représenter la profondeur d’une scène. C’est une méthode que j’affectionne particulièrement. Recherchez des éléments tels que des fenêtres, des arcs ou des branches d’arbre pour encadrer la scène. Le “cadre” ne doit pas nécessairement entourer toute la scène pour être efficace.
L’utilisation de paysages vus à travers des arcs était une caractéristique commune de la peinture de la Renaissance pour représenter la profondeur.
Un moyen fréquemment utilisé peut être par exemple un fenêtre mais ces cadres sont également présent dans la nature, cherchez les pour avoir des points de vue originaux et différents. Vous pouvez également créer vos propres cadre en les collant par example sur un filtre uv, et utiliser une faible profondeur de champ pour avoir des effets créatifs. Attention ! N’en abusez pas vos photographies risqueraient de ressembler à des photographies instagram.
Le cadre est un excellent premier plan qui va créer du volume et un sentiment de profondeur dans vos compositions photographiques. De plus l’utilisation d’un “cadre dans le cadre” est une excellente occasion d’utiliser votre environnement pour faire preuve de créativité dans vos compositions
VINCULA
Vincula en latin signifie prison. Le cadre des branches renforce la sensation d’enfermement physique et psychologique. La technique du cadre dans le cadre sert ici la composition photographique.
La composition sert à faire passer un message.
Découvrez l’histoire de cette Photographie d’Art, ses inspirations et ce qui la rend unique…
5. Lignes directrices
Les lignes directrices sont des chemins qui aident à guider le regard des spectateurs à travers l’image et à attirer l’attention sur les éléments importants. Tout ce qui provient des chemins, des routes, des murs ou des motifs peut être utilisé comme lignes directrices. Regardez les exemples ci-dessous.
NANTES
Cette photographie de Nantes utilise les lignes directrices pour apporter du dynamisme à la composition. Ce dynamisme est renforcé par le coureur qui va dans la même direction. Vous remarquerez que cette photographie d’Art respecte aussi la règle des tiers au niveau du point de convergence des lignes, mais également le nombre d’or au niveau de la grue grise.
Revenons à la règle des lignes directrices. Nous trouvons les lignes suivantes :
- la barrière
- les voitures
- le fleuve de la Loire
- les trainées des avions
- l’horizon
STOP
Les motifs des pavés sont présents comme lignes directrices. Les lignes sur le sol conduisent toutes le spectateur vers l’interdit. L’auteur à utilisé une composition centrée pour cette composition. La symétrie de la scène à rendu ce choix pertinent.
Les courbes sont également des lignes directrices. Les courbes créent un chemin dans la composition photographique et créent de la volupté.
N’oubliez pas les règles précédents qui peuvent y être associées
6. Diagonales et triangles
Les triangles et les diagonales ajoutent une “tension dynamique” à une photo.
Qu’est-ce que la tension dynamique?
Les lignes horizontales et les lignes verticales suggèrent la stabilité. Si vous voyez une personne se tenant sur une surface horizontale plane, mettez cet homme sur une surface inclinée et il semblera moins stable. Cela crée un certain niveau de tension visuelle. Nous ne sommes pas si habitués aux diagonales dans notre vie quotidienne. Elles suggèrent inconsciemment une instabilité. Intégrer des triangles et des diagonales dans nos photos peut aider à créer ce sentiment de “tension dynamique ». La tension dynamique est une façon d’utiliser l’énergie et le mouvement disponibles dans les différentes caractéristiques du cadre pour attirer l’œil hors de l’image, dans des directions contrastées qui peuvent entrer en opposition et créer une tension.
L’intégration de triangles dans une scène est un moyen particulièrement efficace d’introduire une tension dynamique. Les triangles peuvent être des objets réels en forme de triangle ou des triangles implicites. Les diagonales s’éloignant les une des autres ou des chemins qui vont dans des directions opposées.
Les triangles ne sont pas forcément évident et peuvent être implicite.
Des émotions de deux sujets créent également de la tension dynamique.
Un autre procédé est de changer de point de vue pour créer une perspective inhabituelle. Nous ne sommes pas habitués à voir des bâtiments penchés par exemple. Ce qui perturbe notre sens de l’équilibre est ce qui crée la tension visuelle.
7. Motifs et textures
Les êtres humains sont naturellement attirés par les modèles. Ils sont visuellement attrayants et suggèrent l’harmonie. Les motifs peuvent être créés par l’homme comme une série d’arcs, ou naturels comme les pétales d’une fleur. L’intégration de motifs dans vos photographies est toujours un bon moyen de créer une composition agréable. Des textures moins régulières peuvent également être très agréables à l’œil.
Les pavés, le goudrons, la roche, la végétation peuvent constituer des motifs. Ces motifs ressortent particulièrement dans des photographies en noir et blanc. Un monochrome bien contrasté avec des noirs profonds et des ombres marqués créent de la profondeur et font ressortir la matière et les textures.
Conseil : pour la photographie de nu artistique, il peut être intéressant de faire ressortir le grain de peau pour retransmettre une émotion. La matière peut donc se retrouver même dans ce type de photographies.
8. Impair
La règle suggère qu’une image est plus attrayante visuellement s’il y a un nombre impair de sujets.
Un nombre pair d’éléments dans une scène est distrayant car le spectateur ne sait pas sur lequel il doit concentrer son attention. Un nombre impair d’éléments est considéré comme plus naturel et plus facile à regarder. Par exemple dans de la photographie de rue on privilégiera des scènes avec trois ou cinq individus. En effet il semble que l’œil humain trouve cela plus esthétique.
Cependant cette règle n’est pas immuable, une scène comportant deux sujets en interaction (une conversation, un regard…) ne doit pas nécessairement comporter un sujet supplémentaire pour être plus intéressante. Mais cela doit être un choix réfléchi.
9. Remplir le cadre
« Si ta photographie n’est pas bonne c’est que tu n’étais pas assez près » (Robert CAPA)
Remplir le cadre avec votre sujet, en laissant peu ou pas d’espace autour de lui peut être très efficace dans certaines situations. Cela permet de concentrer complètement le spectateur sur le sujet principal sans aucune distraction. Cela permet également au spectateur d’explorer les détails du sujet, ce qui ne serait pas possible s’il était photographié de plus loin. Pour remplir le cadre, il faut souvent se rapprocher tellement que vous risquez de recadrer certains éléments de votre sujet. Dans de nombreux cas, cela peut conduire à une composition très originale et intéressante.
Pour une photographie de portrait cette technique est particulièrement efficace pour faire ressortir une texture de peau, la profondeur de l’iris ou encore d’autres détails. Cela permet au spectateur de se concentrer sur des détails tels que les yeux ou les textures.
10. Laisser un espace négatif
Cette règle va à l’encontre de la règle précédente mais chaque règle a ses avantages et doit faire l’objet de réflexion avant de choisir l’une ou l’autre technique.
Laisser beaucoup d’espace vide ou “négatif” autour de votre sujet peut être très attrayant. Cela crée un sentiment de simplicité et de minimalisme. Tout comme le fait de remplir le cadre, cela aide le spectateur à se concentrer sur le sujet principal sans être distrait. Cette technique peut également apporter une notion de volume et de perspective. La composition crée un fort sentiment de simplicité et permet de créer un impression d’espace, de respirabilité et de liberté.
HAïTI
Ce cliché d’un bateau de pêcheurs haïtiens a un espace négatif important. Cela crée de la simplicité et renforce les sentiments de solitude et de grandeur.
11. Simplicité et minimalisme
La règle précédente de l’espace négatif utilise la simplicité et le minimalisme
La simplicité elle-même peut être un puissant outil de composition.
« Less is more. »
La simplicité signifie souvent que l’on peu prendre des photos avec un arrière-plan simple et qui ne détourne pas l’attention du sujet principal. Vous pouvez également créer une composition simple en se focalisant sur une partie de votre sujet et en vous concentrant sur un détail en particulier.
Les photographes de macro utilisent souvent ces règles en se concentrant sur des goutes d’eaux, un flocon, une feuille… L’intérêt des objectifs de macro est la zone de mise au point extrêmement rapproché de l’objectif.
Un bokeh (flou d’arrière plan) très crémeux permet de détacher le sujet principal et de l’isoler. Ce qui introduit la règle suivante.
12. Isoler le sujet
Utiliser une faible profondeur de champ pour isoler votre sujet est un moyen très efficace de simplifier votre composition. En utilisant une grande ouverture, vous pouvez flouter l’arrière-plan qui pourrait autrement distraire de votre sujet principal. C’est une technique particulièrement utile pour la prise de vue de portraits.
Ce n’est pas pour rien que les smartphones proposent un effet de Bokeh artificiel. Les constructeurs savent très bien que cela flatte les utilisateurs.
13. Changez votre point de vue
La plupart des photos sont prises à hauteur des yeux dans les 1 mètre 70. Se mettre en hauteur pour shooter en plongée ou en bas pour être en contre-plongée peut être un moyen de créer une composition plus intéressante et plus originale d’un sujet commun. Il peut être très intéressant de prendre des photographies couchées, au raz du sol. Cela peut exagérer les perspectives. Ce point de vue permet d’augmenter les effets de reflets dans des flaques d’eau ou de changer de premier plan.
Pour une photographie urbaine il peut être intéressant de regarder en l’air. Prendre des photos de building en contre plongé au grand angle va créer un ensemble de lignes de fuites et de créer de la tension dynamique.
Parfois, pour trouver ce point de vue parfait, il faut sortir de sa zone de confort.
PARTEM
Regardez vers le ciel !
Cette photographie abstraite a été prise en contre plongée.
Les règles qui s’appliquent à cette composition sont les lignes directrices et le principe de tension dynamiques.
14. Recherchez des combinaisons de couleurs particulières
La photographie monochrome permet de se concentrer sur les ligne, les ombres, les contrastes… Ce type de photographie est souvent privilégié dans la photographie d’Art. Pourquoi ? Car la couleur n’apporte souvent pas grand chose à une composition photographique et l’enlever permet de simplifier la composition. Cependant la couleur peut être extrêmement intéressante et offre de nouvelles possibilités créatives.
Le conseil de nos professionnels : privilégiez la photographie en noir et blanc quand la couleur n’apporte aucune valeur à votre composition, pour en simplifier la lecture. Cela ne signifie pas qu’il faut la bannir, bien au contraire.
L’utilisation de la couleur est un outil de composition souvent négligé. La théorie de la couleur est un sujet que les graphistes, les créateurs de mode et les architectes d’intérieur connaissent bien. Certaines combinaisons de couleurs se complètent bien et peuvent être visuellement très frappantes.
Regardez la roue ci-dessus. Vous pouvez voir que les couleurs sont disposées logiquement dans les segments d’un cercle. Les couleurs qui sont opposées sur la roue des couleurs sont des couleurs “complémentaires”. En tant que photographes, nous pouvons rechercher des scènes qui incorporent des couleurs complémentaires afin de créer des compositions attrayantes et frappantes. Deux couleurs complémentaires sont des couleurs qui vont ensemble, ce principe est aussi bien valable en décoration intérieure que dans la mode, la photographie et l’art plus largement.
Avez-vous déjà remarqué combien d’affiches de films ont des combinaisons de couleurs bleu et jaune/orange ? Ces couleurs sont utilisées délibérément pour créer des publicités qui attirent l’attention. De plus le bleu est une couleur froide tandis que le rouge et jaunes sont des couleurs chaudes, cela crée un équilibre dans la photographie.
Pour trouver des couleurs orangées, il n’y a rien de mieux que la golden hour. La blue hour quant à elle permet d’avoir des bleus profonds que l’ont peut contraster avec la lumière chaudes des lampadaires. Une photo de nuit sera toujours plus intéressante prise lors de l’heure bleu. J’adore photographier les villes pendant l’heure bleue. Le bleu profond du ciel à cette heure-là constitue une toile de fond très attrayante pour l’architecture et les lumières de la ville. Le noir pur du ciel de fin de nuit n’est pas aussi frappant et contraste trop fortement avec les lumières de la ville.
15. La règle de l’espace
La règle de l’espace se rapporte à la direction vers laquelle le ou les sujets de votre photo sont tournés ou se déplacent. Si vous prenez une photo d’une voiture en mouvement, par exemple, il doit rester plus d’espace dans le cadre devant la voiture que derrière celle-ci. Cela permet de laisser un espace qui va suggérer le mouvement.
Sur cette photo, le bateau est placé sur le côté gauche du cadre et il se déplace de gauche à droite. Notez qu’il y a beaucoup plus de place pour le bateau devant sa direction de mouvement (à droite) que derrière lui. Nous pouvons imaginer mentalement que le bateau se déplace dans cet espace lorsqu’il navigue sur la rivière. Nous avons aussi un subconscient qui nous permet de regarder vers l’avant pour voir où un objet se dirige. Si le bateau se trouvait juste à droite du cadre, cela nous ferait sortir de la photo. La direction est importante et introduit la prochaine règle de composition photographique.
Cette technique peut également être utilisé pour des photos de personnes. La règle de l’espace suggère que le sujet doit regarder ou faire face au cadre plutôt que d’en sortir.
Dans la photo si dessous le corps de cette silhouette et tourné vers la droite et il est dirigé vers nous ce qui a dicté son titre : Domination.
DOMINATION
Il est nécessaire de voir cette photographie d’Art en grand format pour se rendre compte de la composition et de son immensité. Vous remarquerez d’ailleurs que cette photographie est faite de lignes directrices…
16. Règle de gauche à droite
Dans nos civilisation occidentales, nous lisons de gauche à droite. Tout cela est lié également à une symbolique qui fait partie de ce que les sociologue appellent la socialisation. Le social a déterminé cette règle. Nous « lisons” donc une image de gauche à droite de la même manière que nous lisons un texte. Pour cette raison, il est suggéré que tout mouvement représenté dans une photographie doit s’écouler de gauche à droite.
Cela suppose que le spectateur vient d’un pays où le texte est lu de gauche à droite. De nombreuses langues sont lues de droite à gauche, comme l’arabe par exemple. Une composition photographie de droite à gauche peut suggérer un retour en arrière, un regard sur le passé. Cette symbolique est importante pour comprendre une œuvre d’art.
17. Les éléments d’équilibre dans la scène
La première directive de composition que nous avons examinée dans ce tutoriel était la “règle des tiers”. Cela signifie bien sûr que nous plaçons souvent le sujet principal de la photo sur le côté du cadre, le long d’une des lignes de la grille verticale. Cela peut parfois entraîner un manque d’équilibre dans la scène. Cela peut laisser une sorte de “vide” dans le reste du cadre. Imaginez une photographie avec un premier plan très présent et qui prend tout un tier de l’image mais avec un arrière plan (visible) très lointain. Dans ce cas l’image manquera d’équilibre.
Pour surmonter ce problème, vous pouvez composer votre photo de manière à inclure un sujet secondaire de moindre importance ou de moindre taille de l’autre côté du cadre. Cela permet d’équilibrer la composition sans trop détourner l’attention du sujet principal de la photo. Cette règle ne va pas pour autant à l’encontre de la règle des impairs car ce rajout permet simplement de créer un équilibre, c’est un sujet secondaire.
Vous avez peut-être remarqué également que cela semble aller à l’encontre de l’idée d’espace négatif mentionnée dans la règle numéro 10 de la composition photographique.
Il n’y a pas de règles immuables dans la composition photographique. Certaines de ces règles se contredisent et c’est normal. Certaines lignes directrices fonctionnent bien pour certains types de photographies et pas pour d’autres. C’est une question de jugement et d’expérimentation. C’est à ce moment précis que votre expérience et votre sensibilité artistiques vont prendre le dessus.
Pour acquérir ce regard, cette manière de pensée et cultiver votre imagination, il est primordiale de se créer une réelle culture artistique. Lisez des livres de peinture, d’histoire de l’art, consultez notre galerie pour vous inspirer et ainsi prendre de meilleures photographies d’art.
18. Triangles d’or
La composition des triangles d’or fonctionne de manière très similaire à la règle des tiers. Cependant, au lieu d’une grille de rectangles, nous divisons le cadre avec une ligne diagonale allant d’un coin à l’autre. Nous ajoutons ensuite deux lignes supplémentaires à partir des autres coins à la ligne diagonale. Les deux plus petites lignes sont perpendiculaires à la diagonale qui divise la photographie en deux. Cela divise le cadre en une série de triangles. Comme vous pouvez le voir, cette façon de composer nous aide à introduire un élément de la “tension dynamique” dont nous avons parlé dans la règle numéro 6 de la composition en photographie. Comme pour la règle des tiers, nous utilisons les lignes (des triangles dans ce cas) pour nous aider à positionner les différents éléments dans la scène. Et les poins de force sont les deux point d’intersection.
Cette technique est plus difficile d’accès, mais on l’a rencontre également moins fréquemment
Exemple utilisant des triangles d’or :
- des montagnes qui suivent les lignes
- Une photographie contenant un perspective (par exemple une grande avenue)
Les triangles d’or peuvent s’apparenter à la règle des tiers dans certains cas et avoir les mêmes points de force. Cette règle s’applique en construisant sa composition autour de triangles.
19. Le nombre d’or
Le nombre d’or est considéré comme la proportion parfaite, sacrée, divine. C’est donc une proportion géométrique.
C’est l’unique rapport a/b entre deux longueurs a et b telles que le rapport de la somme a + b des deux longueurs sur la plus grande
Dit autrement, nous trouvons le nombre d’or lorsque nous divisons une ligne en deux parties de sorte que la partie longue divisée par la partie courte est également égal à toute la longueur divisée par la partie longue :
Le nombre d’or est à peu près égal à 1.61803398874989484820…
En mathématique on appel cela un nombre irrationnel.
Je vous dispense de toute les autres explications mathématiques. Le nombre d’or à été construit de manière mathématique et il fait l’objet de fascinations.
Il est vrai que la méthode du nombre d’or pour composer une photographie peut sembler très complexe au premier abord. En réalité, elle est assez simple. C’est comme une version un peu plus complexe de la règle des tiers. Au lieu d’une grille régulière, le cadre est divisé en une série de carrés comme dans l’exemple ci-dessous. C’est ce qu’on appelle une “grille Phi”. Vous pouvez ensuite utiliser les carrés pour dessiner une spirale qui ressemble à une coquille d’escargot. C’est ce qu’on appelle une “spirale de Fibonacci”. Les carrés aident à positionner les éléments dans la scène et la spirale nous donne une idée de la façon dont la scène doit se dérouler. C’est un peu comme une ligne de conduite invisible.
On pense que la méthode de composition en spirale d’or existe depuis plus de 2 400 ans et qu’elle a été inventée dans la Grèce antique. Elle est largement utilisée dans de nombreux types d’art ainsi qu’en architecture (notamment dans la construction des temples Grecs) comme moyen de créer des compositions esthétiquement agréables. Elle a été particulièrement bien employée dans l’art de la Renaissance.
On utilise souvent cette règle de façon inconsciente d’ailleurs, regardez vos plus belles photographies et certaines respectent sûrement ce nombre mythique.
20. Ne coupez pas votre sujet.
Cette règle peut paraitre évidente pour certains mais je vois cette erreur trop souvent. Ne coupez pas une oreille, une main ou une partie d’un objet.
Lorsque vous prenez un portrait et que vous voulez avoir un cadrage plus serré, vous êtes obligez de couper. Cependant il faut le faire de manière intelligente. Ne coupez pas les mains les oreilles les pieds… Ne coupez pas les extrémités. Si vous voulez couper, ne coupez pas non plus au niveau d’une articulation comme le poignet, le genoux, le bassins…
Il faut couper au centre de membres long comme au milieu de la cuisse (pour un portrait en plan américain) ou par exemple au niveau du ventre. Les coupes doivent être franches et ne pas donner une impression de grignotage ou d’oubli. Faites donc attention à votre cadrage, cela peut ruiner une photographie intéressante.
Conclusion :
Il est évident qu’il serait impossible d’avoir toutes ces règles de composition en tête lorsque vous prenez des photographies. Cependant pouvez en sélectionner deux lors d’une sortie et vous astreindre à ces règles lors de votre sortie. La fois suivante vous en choisirez deux nouvelles. Vous pourriez faire une séance de photos où vous chercheriez des situations pour utiliser un “cadre dans un cadre” par exemple tout en respectant la règle des tiers.
Au bout d’un certain temps, vous constaterez que beaucoup de ces directives s’enracinent. Vous commencerez à les utiliser naturellement, sans avoir à y penser, tout cela inconsciemment. Cet ensembles de règles de compositions photographiques devrait vous faire passer à un niveau supérieur en photographie. Si cet article vous a été utile n’hésitez pas à le partager à vos amis pour qu’ils puissent également progresser.